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第1特集
「本」「映画」に見る、ファッションのタブー性の根源【1】

つきまとう”色”と”模様”の禁忌──ファッションタブーに挑む「本」「映画」

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――美しく着飾りたい──。その欲求は、あるいは文明の歴史と同じくらい長いのかもしれない。身に着ける衣服や装飾品によって、人は自らの身分や職域を誇示し、己を権威づけてきた。そんな、いわばファッションの持つ本質と、そして「だからこそ生じるファッションのタブー」に切り込んだ本、そして映画を、ファッションに知悉した識者の弁に基づいて、ひもといてみたい。

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『モードの迷宮』(ちくま学芸文庫)

 ギャル男にゴスロリ、ヤマンバギャル……。徒花のようなファッションが栄えては廃れていった現代日本のファッションシーン。アニメやゲームの格好に扮したコスプレさえ、最近はいろいろな機会に街で見かけるようになり、もはや「普通でないファッション」など存在しないかのように見える。

 確かに、ファッションは、最初はそれがどんなに奇抜なものであっても、多くの人が共有すると同時に凡庸なものとなってしまう側面を持っている。そういったファッションの持つアンビバレントな側面について、哲学者・批評家で、ギャル男のトランスジェンダー性などについても考察している千葉雅也・立命館大学大学院准教授はこう話す。

「ファッションとは、装いによって自分を際立たせるための手段といえます。しかし一方で、チャレンジングな格好をするといっても、突飛に過ぎては逆効果になる、というバランスの問題を常にはらんでいます。つまりファッションとは、人間のアイデンティティや社会の規範に対する疑いを引き起こすもの。ファッションについて真剣に考えると、人間の根本的な不安、ゆらぎ、そして社会に対する批判といったものを惹起することになるんです。それこそが、まさに“ファッションのタブー”ではないでしょうか」

 そこで、千葉氏がまず取り上げるのが、『20世紀ファッションの文化史』【1】だ。

「これはそんなに難しいことが書かれているわけではなくて、著名なデザイナーたちの経歴を紐解いていく中で、近現代のファッションがどうやって成立していったのか、という過程を浮き彫りにしていく本なんです。根底にあるのは、大量生産とオリジナリティをめぐるファッションの矛盾。ファッションにおいては、デザイナーのオリジナリティが重視され、ファストファッションのような工業製品的なものと対比される傾向がありますが、そもそも有名デザイナーブランドの作品にしても、大量生産品であることは変わらないですよね。オートクチュールのように採寸からはじまって自分ひとりのための衣服を作ることもありますが、世界に一点だけの衣服など、そう簡単にはお目にかかれないでしょう。独自性のあるものを売ろうとしても、商品として広く売っている時点で独自性が失われてしまうから、そこで、どのくらいのスパンで新しいものに切り替えるかとか、あの手この手で希少性があるように見せかけようとする。この、独特なものを求めているのに、それを多売しなければいけないというところに、現代の大衆ファッションが内包している矛盾があるわけです」

 その問題を回避するひとつの手段として行われているのが、コーディネートだと千葉氏は解説する。大量生産品でも、組み合わせ方を工夫することで、独自性を発揮できるというわけだが、その組み合わせ方自体も、ファッション雑誌などが紹介し、定型化されてしまうというのが通例だ。つまり、独特のファッションを身にまとおうとする者は、それらのツールとも戦い続けないといけない。だが、そもそも我々は本当に独自性のあるファッションをしたいと思っているのだろうか? 千葉氏は、その出発点にも疑義を投げかける。

「問題の根本は、『実は我々は真実の希少性なんか欲していない』ということかもしれません。個性を厳密に追求したら、それこそ奇人になるしかないわけで、他人と似ている部分と違っている部分のバランスをどう取るかのせめぎあいこそが、現代ファッションの歴史ともいえるのではないでしょうか」

 ファッションとは、常にそのような危うさと共にあるものであるがゆえに、アイデンティティの不安と密接にかかわっている。その問題を如実に取り扱った書籍として、千葉氏が薦めるのが、『モードの迷宮』【2】だ。現象学が専門の哲学者である鷲田清一・大谷大学教授が、ファッション誌「マリ・クレール」(中央公論社=当時)誌上で87~88年に連載したものの単行本化で、日本におけるファッション批評の代表的な書物とされている。

「この本ではフランス系の思想などを引用しながら、身体の境界やゆらぎについて考察しています。まず『衣服は身体を覆うためではなく、強調し、顕わにするという逆のベクトルを持っているのではないか』という命題が追求される。ファッションとは自己のゆらぎや身体の実感の不確かさと直面することにほかならないという問題意識が読み取れます。序文には『ディスプロポーション』という題がついていますが、これは不恰好、不均衡という意味です。服が似合うとか、あるいは世間的にスリムでスタイルがいいとされているとか、そういった理想に完璧に合わせられる身体なんてありえない。僕たちの身体は服を着ることで、かえって不釣り合いであるという問題から逃れられなくなる、と自覚させられるんです。つまり、オシャレをするとか、ファッションをキメるということは、思い描く姿にピッタリ合わせるのではなく、逆にズレを納得するということ。服を着ることで、ゆらぎは増幅され、決して消すことはできなくなるのです」

 衣服というのは、本来外気から身を守る防御壁の役割を果たしていたはずだが、ファッションにおいては、服を着ることでかえって不安になるというアンビバレンツが存在する。着ていながら着ている気がしない。そんな危うさが、本書でいうまさに“モードの迷宮”であり、そのことがまさに、ファッションにおける境界性と、服が覆っているはずの内側の不確定さを示しているのだという。

黄色と縞模様はアウトローの烙印だった?

 このようなファッションをめぐる危うさは、現代において始まったものではなく、長きにわたる人間の服飾の歴史と共に存在してきたことは想像に難くない。もし、現代のファッションに、中世からのタブー意識が潜在的に組み込まれているとしたらどうだろうか? 日本学術振興会特別研究員で、服飾史などが専門の、角田奈歩氏は、『縞模様の歴史』【3】を挙げ、このように解説する。

「『縞模様の歴史』によれば、ヨーロッパでは縞柄は無秩序のサインであり、妨害・禁止・罰則の柄でした。かつて囚人服が縞柄だったのも、これに由来しています。その後、19世紀の工業化の時代に機械織布が発展し、柄として織り出しやすい縞柄は肌着や寝間着に使われ普及しますが、太い縞柄や多色使いの縞柄にはいまでも多かれ少なかれタブーのイメージがあります。おそらく、ポール・スミスのマルチストライプのロゴなども、縞柄タブーがあってこそ斬新だったのでしょう」

 また、角田氏は、同様にヨーロッパにおける色使いのタブーを読み解く本として、『色で読む中世ヨーロッパ』【4】を挙げる。

「黄色や多色使いもヨーロッパにおいてアウトサイダーの色使いでした。黄色には中世以来、裏切り、悲しみ、怒りの色というイメージが伴っているのです。19世紀になっても、小説『レ・ミゼラブル』の主人公の通行証はかつて囚人だったことを示すために、あえて『黄色』と描写されていますし、19世紀のフランスの文豪バルザックも、被差別者の肌や目を『黄色い』と表現しています。また多色柄、特に黄色とほかの色を組み合わせた縦縞・横縞柄は気まぐれ、身持ちの悪さなどを表すとされ、道化・芸人、子どもなど、理性に欠けた人物が着る柄とされていました。それに対して黒は、もともとは醜く邪悪な色と考えられていましたが、中世末期に染色技術が発達して深い黒の染色が可能になると、一転して美しい色と考えられるようになりました」

 その後生まれたプロテスタントが明るい色は不道徳として排除し、黒や地味な暗色を着ることを推奨してさらに黒の一般化は広まったと、同氏は続ける。

「19世紀には、金を稼ぐことを重視する資本主義的価値観が広まり、働いて稼いだ金で分相応に暮らす生活様式が定着。男性服はほぼ黒いスーツに統一され、男性が華やかな色を着ることは嫌われるようになります。これは私の考えですが、1960年代、男性が華やかな色を着ることが『ピーコック革命』として推奨され、私服でカラフルな服を着る男性は増えましたが、今なお男性はビジネスの場では華やかな色を来着ないものとされていますし、就職活動などでは男女とも黒いスーツばかりです。こうした私たちの黒の好みの背景には、カラフルな色使いをタブーとする中世以来の歴史があるのです」(角田氏)

 さしずめ、現代のビジネスマンは、常に中世から綿々と引き継がれるタブーに即した身なりをしていることになるのだろうか。ファッションにおけるタブーは、現代においても脈々と生き続けているのかもしれない。

映画に見るファッションの深遠さとタブー性とは

 今度は、ファッションにおけるタブー性が読み取れる映画を、識者に挙げていただこう。いうまでもなく、映画において衣装とは大きな意味を成しており、登場人物の精神的背景が、その人物にまとわせる衣装によって表現されることも少なくない。いわば、映画とファッションは不可分の関係にあり、映画という表現形式において、人はファッションの力を借りてあらゆる人物像へと変身することができる。そして、ファッションの持つ過剰な意味の重みを読み取ろうとするなら、今よりももっとファッションが神聖だった時代を描いた映画作品は大きな示唆を与えてくれる。東京家政大学教授で、西洋服飾文化史などが専門の能澤慧子氏は3つの作品を挙げる。

『ピアノ・レッスン』【5】は、ニュージーランドの未開の地にヨーロッパの女性が嫁いでいく話です。1850年頃が舞台なのですが、彼女の服の下のスカートはクリノリンといって、当時一般的だった、かごのようなスカートになっている。冒頭、浜辺で夜を過ごすことになった彼女はそのクリノリンをテント代わりにして、その中で寝る、というシーンがあります。そして、夫となる人が翌朝迎えに来るのですが、現地の人は原始時代と同じような格好をしているのに、彼女と夫だけが西洋式の正装を頑なに守っているのです。そうやって先の現地人との差異を明確にさせていたということが、この映画を見るとよくわかります。こんなに不便な服を、そこまでして着続ける。ファッションがいかに文明の権威を誇示するものとして機能していたかを、如実に示していると思います。やがて彼女は、現地の男性から愛される関係になり、衣服をひとつひとつ脱ぐように求められるのですが、そこで男性が靴下の破れ目をいとおしんだり、抜いだ上着を抱きしめたりするフェティッシュなシーンにも、当時の幾層にも重なる衣服の神聖性がうかがえます。当時、衣服は女性と社会を隔てる防御的な装置の役割を果たしそれゆえに逆説的な誘惑の道具でもあったのですね」

 そして、能澤氏は次に、ルイ14世の若き日を、彼が踊ったバレエを通して描く『王は踊る』【6】と、アメリカ文学の名作の映画化を挙げる。

「1メートル62センチと、小柄だったルイ14世が、ハイヒールを履いて、かつらもかぶって、身長を、ひょっとすると20センチくらいかさ上げしていたということに私は着目しました。それだけ、当時の権力者は、自らの権威をその身体で表わすことに執着し、そのためのファッションということを考えていたんですね。もう一作、『誰がために鐘は鳴る』【7】では、ヒロインの思い出話の中に、興味深いエピソードが出てきます。第一次世界大戦中のスペインの山村で、女性たちが墜落した外国兵のパラシュートから絹地を剥ぎ取って、ブラウスを仕立てたというのです。当時はいまだ合成繊維がありませんでしたので、絹は貴重でしたが、それにしても戦争の残酷さ、そしておしゃれやファッションが内に含む残酷さがうかがえます」

 このようにファッションが強烈な意味を有していた時代と比べると、現代ではファッションの持つ重みは減ったのだろうか? 確かに、ヨーロッパ貴族社会においてコルセットで体を締めつけ、胸元の開いたドレスで女性たちが美を競った時代に比べると、ファッションはよりカジュアルに、機能的になり、いかに動きやすいかに重きを置かれているようにも見える。だが、ファッションは、常に人間の欲望と共に発展し続けていることは、決して変わることのない事実だろう。現代におけるファッションが、もっとも偶像的に浮かび上がる場所といえば、パリコレなどのファッションショーだろうが、そこにおいて、衣服にどのような意味が付与されているかを考えてみれば、ファッションの持つ意味というものが改めて浮かび上がるかもしれない。そこで前出の千葉氏が最後に紹介する本が、『服は何故音楽を必要とするのか?』【8】だ。

「この本では、ファッションショーの時に音楽が流されること、さらにモデルは音楽のリズムに身体を合わせず、むしろ無視するように歩いてくることに着目し、そこにファッションの核心があるのではと考察しています。その中で、ファッションショーで最初に音楽を流したのは日本ではないかという説が提唱されますが、日本人モデルが音楽にノラずに歩いたのは、自然の流れと決別するという西洋的な強い意志に基づいたものではなく、単にリズム音痴でノレなかったのではないかというのです。しかし同時に、ファッションにおいてはズレをどうコントロールするかがエレガンスの演出であって、音楽に”ノラない”ことはすなわち現代性であり、格好よさでもあったのではないか、と分析しています。なぜ服が音楽を必要とするのかという問いに答えると、音楽とは自然なノリを代表しているカルチャーで、それに対して距離を取ることでファッションは成立する。ここで、『ファッションが自分の身体にぴったり合っていることはありえない』という命題に戻っていくわけです。自然な格好をする、とよく言いますが、本当の意味で自然な格好なんてありえないんですよ。思うに、自分が信じているオシャレさとか、自然さを信じられなくなるかもしれない、という可能性こそが、恐ろしいファションのタブーなのではないでしょうか。ファッションの楽しみというのは、何がオシャレなのかまったくわからなくなる恐怖と表裏一体になっている。その危うさと共に生きていくことこそ、唯一“格好いい”ことなのだと考えます」

 もしファッションからすべてのタブーが消え去る日が来るとしたら、その時こそ、ファッションが魅力を失う時なのかもしれない。しかし、そんな心配は杞憂に思えるほど、ファッションというのはかくもタブー性と不可分の関係にあるのだ。

(取材・文/里中高志)

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【1】『20世紀ファッションの文化史─時代をつくった10人─』
成実弘至/河出書房新社(07年)/1785円
シャネルからギャルソンまで20世紀ファッション史を彩った10人のファッションデザイナーの功績をたどる。


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【2】『モードの迷宮』
鷲田清一/ちくま学芸文庫(96年)/945円
フランス現代思想などを駆使しながら、ファッションへの考察を通して、身体のゆらぎを論じる。89年のサントリー学芸賞受賞作。


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【3】『縞模様の歴史 悪魔の布』
ミシェル・パストゥロー著 松村剛・松村恵理訳/白水社(04年・絶版)/945円
古文書学・紋章学に通じた著者が、中世ヨーロッパにおいて縞模様に付与されてきた禁忌的なイメージの源流を、歴史的に考察し、その阻害された人々の文化を解き明かす。


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【4】『色で読む中世ヨーロッパ』
徳井淑子/講談社選書メチエ(06年)/1785円
フランス服飾・文化史を専門とする著者が、さまざまな美術品や文献をもとに、中世ヨーロッパにおいて色に意味づけられてきたイメージを分析。中世の社会のあり方を読み解いていく。


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【5】『ピアノ・レッスン』
監督:ジェーン・カンピオン/出演:ホリー・ハンター、ハーヴェイ・カイテル(93年)
ニュージーランドの奥地に幼い娘を連れて嫁いだ女性が、夫にピアノへの愛着を受け入れてもらえず、別の男性との愛に落ちて行くさまを叙情的に描く。テーマ曲もヒットした。


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【6】『王は踊る』
監督:ジェラール・コルビオ/出演:ブノワ・マジメル、ポリス・テラル(00年)
まだ若く力がなかった少年ルイ14世の倒錯的な情熱を、彼のために曲を書き続けた音楽家リュリの視点を通して描く。実際にヴェルサイユ宮殿でロケが行われた。


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【7】『誰がために鐘は鳴る』
監督:サム・ウッド/出演:ゲイリー・クーパー、イングリッド・バーグマン(43年)
ヘミンググウェイの名作文学の映画化。スペイン戦争でフランコ軍と戦う大学教授と、市長の娘マリアの激しい恋愛と、悲劇的な別れを描く。当時の2大スターが共演した、ハリウッドの大作。


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【8】『服は何故音楽を必要とするのか?』
菊地成孔/河出文庫(12年)/945円音楽家でもある著者が、ファッションショーではなぜ音楽が流されるのかについて考察。初めて音楽を流したのは日本のショーである説も紹介しながら、批評実験を繰り広げていく。


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